London Gallery Weekend 2023 - Liaoning Plastic Material Co., Ltd

8. Juni 2023 • Teilen —

Trotz der Streiks bei der Eisenbahn, die weiterhin die arbeitende Bevölkerung Londons treffen, wurden während des London Gallery Weekend zahlreiche Ausstellungen in den Kunstvierteln der Hauptstadt eröffnet. Da es so viel zu sehen gibt, präsentiert Artlyst Ausstellungen in drei Bereichen, die alle – relativ – zu Fuß erreichbar sind.

CROMWELL PLATZ

Wir begannen in Kensington am Cromwell Place, einem One-Stop-Konzept für Kunstliebhaber, das eine Vielzahl hervorragender Galerien ohne festen Raum in London beherbergt. Der erste Künstler, der uns ins Auge fiel, war José Cori von Casa AmaCord, einer auf lateinamerikanische Kunst spezialisierten Galerie. Eine elegante Reihe farbenfroher, sorgfältig gezeichneter Werke des chilenischen Künstlers mit dem Titel „The Wild Iris“ wurden – sowohl im übertragenen als auch im konzeptuellen Sinne – aus einer gleichnamigen Gedichtsammlung von Louise Gluck aus dem Jahr 1992 entnommen. Die Gedichte folgen der Erzählung Ein Bogen eines Jahres im Garten, der den Leser in ein Gespräch über das Pflanzen und Pflegen einbezieht und darüber, wie unsere Beziehung zur Natur – und der Akt des Schaffens – unser Gefühl für Staunen steigern kann. Anstelle von Worten verwendet Cori Farbe, Linie und Form, aber wie Poesie hinterlässt er in seinen Bildern ein schwebendes Gefühl des Unbekannten: eine weiße Leere zwischen den Farben, die ein Verrutschen zulässt. Der Geist nimmt eine Auflösung wahr, als würde das Bild verblassen. Da wir sehen, dass es verschwinden könnte, versuchen wir, seine Essenz auf die gleiche Weise zu erfassen, wie wir an die Poesie herangehen, und hinterlassen eine ebenso kraftvolle Erinnerung. Eine mit Ultramarin unterlegte Zitrone wird von einer Tischlampe auf übernatürliche Weise beleuchtet; Zwei blühende Schwertlilien ragen aus dichtem Blattwerk hervor und verdecken eine zurücktretende Gestalt, bei der es sich um den Dichter, Künstler oder Gärtner handeln könnte. Wie Galerist Adrien erklärt: „Jose glaubt, dass alle Szenen in seinen Zeichnungen auf die eine oder andere Weise auf eine poetische Emotion verweisen, in der Dinge über sich selbst hinausgehen, sich mit anderen überschneiden und vermischen und so den Eindruck erwecken, was eine sofortige Definition bezweckt.“ dann auflösen oder in ein anderes Bild verwandeln.“

Oben bei Tin Man Art wurden wir von der französischen Künstlerin Marie Elisabeth Merlin mit Mondes Hypothetiques verwöhnt. Ihre herrlich leuchtenden Werke verbinden das Beobachtende mit einer Vielzahl imaginärer Charaktere, die universelle Archetypen sein könnten – Wölfe, Affen, Eulen – und fangen die seltsame Dualität des Lebens und die Spannung zwischen dem, was wir sehen, und dem, was es uns denken oder fühlen lässt, ein.

„In einem einzigen Gemälde gibt es oft mehrere Geschichten … Schatten, die auf den Boden geworfen werden, nehmen eine Form an, die im Akt des Malens zu einer Figur wird. Mich interessiert auch, wie der Geist Bilder vorschlägt, etwa Wölfe, und was damit passiert.“ funktionieren, wenn wir das Imaginierte in eine reale Szene einfügen.“ Dieser Prozess hat etwas Poetisches und entwickelt eine Erzählung zwischen den Formen, die durch Originalität und Frische besticht. Ihre Farben singen mit Gaugin-Reichtum, verstärkt durch moderne Noten von Neonrosa und fluoreszierendem Gelb. Sie sind kraftvoll weiblich, aufgeladen mit einer ungezügelten Energie, die am deutlichsten durch die sich wiederholende Figur oder ein Wolfsrudel zu spüren ist. Als Symbol für Weiblichkeit, Familie, Rudelmentalität und Überlebensinstinkte ist ihre Präsenz nicht bedrohlich, sondern irgendwie gewagt, als würde sie den Betrachter in eine Revision dessen einbeziehen, was wir in der Gesellschaft, aber auch in unserer eigenen Psyche für gefährlich halten. Aus diesem Grund ist ihre Arbeit sowohl vorausschauend als auch bestärkend; Merlins Arbeit scheut nicht vor dem Schaden zurück, den wir der Natur zugefügt haben, sondern bietet Hoffnung – die Zukunft ist etwas, das wir uns neu vorstellen können.

Besuchen Sie hier (https://www.tinmanart.com/)

CORK STREET/ MAYFAIR

In der Cork Street und den umliegenden Galerien in Mayfair (z. B. Dover Street) gibt es zahlreiche Eröffnungen, aber dieses Wochenende war unsere herausragende Entdeckung die Künstlerin Tyga Helme im Messums London. „In the Wings“ ist eine Ausstellung, die die heiklen Seiten des Notizbuchprozesses eines Künstlers aufschlägt und einen seltenen Einblick in die akribischen Details anhaltender Beobachtung bietet. Ein Teil der Freude beim Betrachten von Helmes großformatigen Werken, die in Rastern aus Seiten zusammengesetzt sind, die jeweils einen Moment beim Studium einer Hecke, eines Grünstreifens oder eines Unterholzes darstellen, besteht darin, zu würdigen, wie sich der Geist auf die subtilen Veränderungen und Zyklen einstellen kann unserer lichtempfindlichen Welt. Während wir versuchen zu verstehen, wie sich jeder Abschnitt so harmonisch in den nächsten einfügt, beginnen wir, die miteinander verbundenen Muster als Metapher für den Wissenserwerb zu sehen, der uns wie eine Rebe über die Seiten führt. „Die unaufgeräumten Bereiche sind die aufregenden Teile“, sagt Tyga, die in den Wiltshire Downs lebt, wo sie die unbewirtschafteten Ecken von Feldern oder Waldstücke zum Malen aufsucht. „Dinge entstehen wirklich an einem Tag und alles verändert sich ständig“, sagt sie. „Gräser und Brombeersträucher machen Platz für Tiere; Ein Spross ist an einem Tag da und am nächsten wieder verschwunden, weil ein Tier ihn gefressen hat. Plötzlich taucht aus dem Nichts ein Pilz auf. „Alles steht in einer Beziehung zu allem anderen.“

Tyga, Gewinner des Machin Foundation Prize an der Royal Drawing School, nutzt die Natur als Metapher für das Gefühl der Überwältigung. Sie verbindet die minutiöse Beobachtung des wimmelnden Waldbodens – wo das leuchtende Grün eines Brombeerblattes über dem kalten Blau gefallener Blätter schwebt – mit der zwanghaften Energie des Wachstums. „Helmes meditative Reaktion auf Mikrowelten lenkt die Aufmerksamkeit leise auf die zugrunde liegenden Strukturen in der Natur und die Ökosysteme, von denen wir alle abhängig sind“, sagt Dr. Claudia Milburn, Programmleiterin bei Messums London. Messums hat dieses Jahr ein starkes Programm an Shows und wir freuen uns auf die bahnbrechende Retrospektive von Bridget McCrum, die nächsten Monat in Wiltshire eröffnet wird.

DIE FITZROS

Wenn Sie einen Kunstrundgang machen möchten, ist die Eastcastle Street in Fitzrovia der perfekte Ausgangspunkt. Sie können bei PM/AM und der Pipeline Gallery beginnen, dann Pilar Corrias und Omni besichtigen, zurück zur Edel Assanti und Gillian Jason Gallery in der Great Titchfield Street kehren, bevor Sie auf der Riding House Street auf TJ Boulting und dann auf FOLD bis Brooke Bennington weiterfahren und endet bei Tristan Hoare am 6 Fitzroy Square, um nur einige zu nennen!

Die PM/AM-Galerie zeigt derzeit nach ihrem Aufenthalt Werke der einmaligen Künstlerin Chidinma Nnoli. Die Galerie ist Gastgeber eines dynamischen Residenzprogramms und hat sich zum Ziel gesetzt, Künstlern, die keinen Zugang zu einem Wohnatelier in London haben, die Möglichkeit zu geben, in diesem pulsierenden Viertel zu arbeiten und mit seiner blühenden Gemeinschaft in Kontakt zu treten. Nnoli (geb. 1998 Enugu) lebt und arbeitet in Lagos und hatte kürzlich eine ausverkaufte Einzelausstellung in der Marianne Boesky Gallery und der Armory Show NYC. Ihre figurativen Arbeiten sind geheimnisvoll, weichgezeichnet und nostalgisch, als gehörten sie zu einem vergessenen Moment. „Seit 2020 beziehen sich meine Arbeiten auf meine Gedichte, die ich in der späten Jugend geschrieben habe. Mit Figuren, die wie Meistergemälde positioniert sind (aber nicht visuell durch eine bestimmte Zeit eingeschränkt), bin ich daran interessiert, Gemälde zu schaffen, die sich wie eine verschwommene, aber lebendige Erinnerung anfühlen …“, sagt Nnoli . Ihre Arbeiten sind in der kommenden Gruppenausstellung der Galerie mit dem Titel „What now?“ zu sehen. neben den Künstlern Dana James, Shanna Waddell, Cornelius Annor und Isshaq Ismail, eröffnet vom 8. Juni bis 7. Juli.

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Pipeline

Nebenan befindet sich die entzückende Pipeline, eine von Tatiana Cheneviere geführte Konzeptgalerie, die als geteilter Raum mit einem Hauptausstellungsbereich und einem separaten, geschlossenen Bereich fungiert. Im letztgenannten intimen Raum stellt sie jedem Künstler vor seiner Ausstellung ein einzelnes Kunstwerk vor. Dieses erste Werk wird vom Künstler als eine Art Schlüssel oder Anker für seine aktuelle Praxis oder seine Zukunftsvorstellung ausgewählt und löst so ein Gespräch über seine bevorstehende Ausstellung aus. Es bereitet uns elegant vor, ohne die Enthüllung der Show zu verderben.

William Waterworth: ein tirDieses Mal nimmt William Waterworths Einzelausstellung ein tir den gesamten Galerieraum ein, was auf Walisisch „unser Land“ bedeutet. Darin stellt er seine neue Serie vor und identifiziert zentrale Schlüsselwerke, womit er das Pipeline-Konzept umdreht. Im Endraum der Galerie finden wir die Mindmap des Künstlers, bestehend aus Collage und Schrift. Wie Standbilder aus „Withnail and I“ von Bruce Robinson sind die Bilder wehmütig, die Anmerkungen brennend. Es beinhaltet eine Pilgerreise zu Julia Margaret Camerons Haus auf der Isle of Wight, die Geschichte von Zissou und der Flugmaschine sowie die Reise eines Zimmermanns in die Alpen, inspiriert von Thomas Manns Roman „Der Zauberberg“ (1924). Diese wunderbar exzentrischen Expeditionen werden durch eine Reihe von Referenzmaterialien beitragender Künstler zum Leben erweckt, darunter Videoarbeiten von Joel Kerr und von Edie Ashley entworfene Kostüme, die im Untergeschoss installiert sind.

In der Hauptgalerie repräsentieren eine Auswahl von Standbildern die Bandbreite und kompositorische Eleganz von Waterworths Praxis. Sein durchdringend gutes Auge für den entscheidenden Moment, seine Fähigkeit, Licht und Schatten für die Komposition zu nutzen. Im Vordergrund der Ausstellung, vom Fenster zurückgesetzt wie eine skulpturale Installation, steht ein einzigartiges handgefertigtes Buch mit 100 Drucken, das von Guy Bourdins Bilderbuch „Untouched“ (2017) inspiriert wurde und auf einem Rednerpult von Arthur Poujois präsentiert wird. Das Buch ist der Ausgangspunkt der Ausstellung und ein Indikator für Waterworths Nutzung der Fotografie als Medium. Ich kann es kaum erwarten zu sehen, was er als nächstes tut und was Pipeline auf Lager hat. https://www.pipelinecontemporary.com/exhibitions-2-/current/

Edel Assanti

Wenn es um das Monumentale geht, übernimmt Edel Assanti in dieser Gruppe von Galerien die Führung. Ich bin immer noch fasziniert von der Arbeit von Noemi Goudal, deren großformatige Bewegtbildprojektion, Suspensionsperformances und kinetische Installation „ANIMA“ vom 12. bis 14. Juli in der Tate Modern gezeigt werden. In ihrer Galerie befindet sich jetzt Marcin Dudeks NEOPLAN, der gleichzeitig mit seiner Einzelausstellung in der Kunsthal Extra City in Antwerpen und der Veröffentlichung seiner neuen Monografie läuft.

NEOPLAN setzt Dudeks Serie der „Memory Boxes“ fort, Installationen, die aus überflüssigen Räumen entstanden sind und immer noch Sinnbild für die latente Geschlechter- und Rassentoxizität sind, die mit der Konstruktion der Gruppenidentität verbunden sind. Ein heruntergekommener Fanbus aus Osteuropa wird theatralisch in der Galerie platziert, als wäre er zufällig aus einer anderen Dimension angekommen. Die andere Seite wurde entfernt, um einen Innenraum freizulegen, der vom surrealistischen Gemälde „Autobus“ (1959–1961) des polnischen Künstlers Bronislaw Wojciech Linke inspiriert ist und voller alptraumhafter Gespenster und Mensch-Objekt-Hybriden ist. Dudeks Bus löst die tiefgreifenden, zwanghaften Emotionen aus, die mit einer Reise in Richtung einer Konfrontation am Spieltag einhergehen. Sitze verwandeln sich in Stadionterrassen; Das Dach ist wie eine Flagge aus Second-Hand-Fan-Merchandise handgenäht. Der weiße Würfel der Galerie verstärkt die Blindheit, die mit dieser Energie einhergeht, so sehr auf das Ziel konzentriert zu sein, dass man gar nicht anwesend ist. Auf der Galerieebene dienen mehrere Sitze als Orte für kleine Filmarbeiten und interagieren mit drei wandbasierten Collagenarbeiten. In ihrer schematischen Form befasst sich jedes Stück mit den individuellen Biografien mehrerer selbsternannter Fußball-Hooligans und Schläger und gibt den untersuchten Erzählungen Gesichter. Diese bestehen aus Elementen aus Dudeks umfangreichem Subkulturarchiv, das er als jugendliches Mitglied eines notorisch gewalttätigen Krakauer Fußball-Fanclubs gesammelt hat. Bei der Ausstellungseröffnung führte Dudek eine dreiminütige Rauchgranaten-Intervention durch und begeisterte das Publikum mit einem organisierten Moment des Chaos, der so zentral für das Erlebnis Fußball ist.

Brooke Benington

Wie die Pipeline ist Brooke Benington ein dualer Präsentationsraum, in dem die in beiden Galerien präsentierten Künstler gemeinsam ausgewählt, aber nicht in direkte Gespräche gebracht werden. Dies führt zur Entdeckung unwahrscheinlicher Beziehungen und schlägt vor, wie man diese in Sammlungen fördern könnte. Im vorderen Raum befindet sich eine Reihe äußerst detaillierter Gemälde mit dem Titel Quietism der in Serbien geborenen Ana Milenkovic, die sich stark auf unwahrscheinliche Elemente konzentrieren. Mithilfe des langsamen, einzigartigen Mediums Ölfarbe untersucht sie, wie öffentliche und kulturelle Persönlichkeiten, die uns als Gesellschaft repräsentieren, in unseren Medien mythologisiert werden – was letztendlich eine Quelle gebrochener, oft extremer oder antagonistischer Informationen ist. Im nächsten Raum befindet sich eine Einzelausstellung der in Rumänien geborenen und in London lebenden Künstlerin Catinca Malaimare, „Astropriest“. Malaimare vereint Performance, Skulptur, Audio und Film und erforscht unsere enge Beziehung zu technologischen Werkzeugen und die Missachtung veralteter Technologien. Die surrealen, unzusammenhängenden Komponenten der Installation und der Performance spielen mit unserem Zeitgefühl und lassen uns das Konzept des Futuristischen hinterfragen, das so schnell in der Vergangenheit verankert ist. Dies baut auf der kontinuierlichen Beobachtung unserer mechanischen Friedhöfe durch den Künstler auf. In all das dringt ein Soundtrack ein, wie ein Geist in der Maschine. Über eine Reihe von Lautsprechern wird eine mehrkanalige Audioerzählung abgespielt, in der der Astropriester einen Sirenengesang vorträgt – ein Stöhnen, das durch eine Reihe akustischer Signale hervorgerufen wird. Dieser brillante, unheimliche und verstörende Künstler weiß, dass der Geschmack von Angst metallisch ist.

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Tristan Hoare

Jetzt wird bei Tristan Hoare „Paper“ gezeigt, kuratiert von Flora Hesketh und Omar Mazhar. Inspiriert durch die reiche Geschichte des Papiers, das im ersten Jahrhundert in China erfunden wurde, war Papier einst eine „neue“ Technologie, die alle anderen übertraf. Es erleichterte die Bewahrung und Verbreitung von Wissen; Dieses leichte und preiswerte Material wurde unverzichtbar, unsere Erfahrung damit gemeinschaftlich. Aus einer endlosen Liste von Pflanzen und Bäumen wird eine große Auswahl an Papier hergestellt, von denen jede ihren eigenen Duft, ihre eigene Melodie und ihre eigene Textur hat. Es kann auf außergewöhnliche Weise manipuliert werden; geschnitten, gefaltet, gebrannt, geklebt, zusammengesetzt, geschichtet, bedruckt, bemalt, und oft sind Künstler davon fanatisch. Zu den Techniken in der Ausstellung gehören Collage, Prägen, Falten, Schneiden, Brennen, Pappmaché und farbiger Papierbrei. Emilie Pugh bringt Papier an seine Grenzen – es dehnt und verbrennt seine Oberfläche, um negative Raummuster zu erzeugen. Auch die koreanische Künstlerin Minjung Kim verbrennt ihre Werke; Zurückweichende Schichten aus Maulbeer-Hanji-Papier scheinen den Heilungsprozess, aber auch wiederholte Narben zu vermitteln. Ein Sinn für das Spirituelle manifestiert sich in Astha Butails Formationen – in Papier eingebettete Reflexionen von Sanskrit-Liedern. YZ Kamis Serie „Endless Prayers“ besteht aus Mandalas aus ausgeschnittenem Papier, spricht von Himmelskörpern und hinterfragt unseren Platz in dem, was wir nicht vollständig kennen können, und Parme Baratier stellt sein eigenes Papier aus den Pflanzen her, die er anbaut. Es ist eine schöne Show, die einen ganzen Tag voller künstlerischer Begegnungen abrundet.

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Hauptbild: Künstler Stewart Geddes, Galerist James Elwes, Künstlerin Marie-Elisabeth Merlin und Künstler Stanley Donwood bei der Tin Man Art-Eröffnung am Cromwell Place